Рубрики
Больше Культура

Победителю «Голоса» присвоили звание «Заслуженный артист КБР» — Российская газета



Власти Кабардино-Балкарской республики накануне, 6 января, присвоили звание «Заслуженный артист КБР» своему земляку и победителю телешоу «Голос» Аскеру Бербекову. Об этом сообщается на официальной странице в Instagram министерства культуры региона.

— Глава КБР Казбек Коков подписал указ о присвоении Аскеру Бербекову почетного звания «Заслуженный артист КБР». И пусть это станет началом его новых побед и титулов, — объявил и.о. министра культуры региона Мухадин Кумахов во время концерта на площади Абхазии в Нальчике, посвященному чествованию певца.

Как ранее писала «РГ» в завершившемся в первый день Нового года 8-м сезоне «Голоса» 28-летнему уроженцу северокавказской республики Аскеру Бербекову отдали свои голоса 66,1 процента зрителей. Слушателей покорили его лирический тенор, артистизм, умение петь легко и красиво. Наставником победителя на проекте был композитор и продюсер Константин Меладзе.

Аскер родился в городе Баксане, здесь же окончил среднюю школу. Сейчас выпускник Российской академии музыки имени Гнесиных живет в Москве, мечтает построить карьеру певца. За своего земляка болела буквально вся республика, а в столицу приехал поддержать его младший брат. По словам победителя, до этого он три раза участвовал в прослушиваниях на шоу «Голос», однако не проходил кастинг. В финальном концерте телепроекта молодой человек уверенно опередил своих соперников — Арсена Мукенди, Ива Набиева и Антона Токарева.



Source link

Рубрики
Больше Культура

Скончался артист Геннадий Пискунов — МК



Не стало Народного артиста России Геннадия Пискунова. Знаменитый актер умер в возрасте 73 лет.

В пресс-службе Московского государственного академического детского музыкального театра имени Наталии Сац рассказали, что артист скончался в больнице. Дату и место прощания и похорон объявят позднее.

Как рассказала заведующая труппой театра Ольга Толоконникова, Геннадий Венедиктович был легендой театра. «Великолепный мастер, потрясающий певец, обладавший невероятно красивым, густым басом», — подчеркнула она.

По ее словам, Геннадий Венедиктович все артисты, в основном мужского состава, всегда равнялись на него.

Геннадий Пискунов выступал на сценах Московского театра оперетты, а также в театрах Тамбова и Саратова. Он начал работать в Детском музыкальном театре имени Сац во время учебы в ГИТИСе.



Source link

Рубрики
Больше Культура

«Я танцую Крысу в «Щелкунчике»: артист Большого поделился опытом


«Ребята говорят, что плащ может запутаться, и на морду, и на корону намотаться»

Первые крысята

Во всем, конечно, виноваты Петр Ильич Чайковский и Мариус Иванович Петипа… Причем не только их балет «Щелкунчик», который они первоначально (потом Петипа заболел и отпал от постановки, которая волею судьбы досталась Льву Иванову) создавали вместе… Крысы присутствуют даже в их балете «Спящая красавица»: они составляют свиту злой феи Карабос, которую, как известно позабыли пригласить на церемонию в честь рождения принцессы Авроры, с чего и начались её злоключения.

А все началось с того, что директор императорских театров Иван Всеволожский однажды заказал Чайковскому сразу две партитуры: оперу «Иоланта» и, собственно, «Щелкунчика».

Незадолго до этого (в 1882 году) в России под названием «Сказка про Щелкуна и мышиного царя» вышло в свет произведение Гофмана в переложении знаменитого французского писателя Александра Дюма (старшего) и переводе С. Флерова. Автор «Трех мушкетеров» лишь в очень небольшой мере изменил эту, по слову Чайковского, «превосходную сказку Гофмана» — точнее изложил произведение немецкого романтика на свой лад. В частности, Дюма пришлось подробно объяснять французским детям — что такое Рождество, как его отмечают в Центральной Европе, зачем в доме елка и подарки — ведь веяния революции, незадолго до этого отгремевшей во Франции, все эти празднества в стране отменили.

Петипа после заказа Всеволожского срочно принялся за написание сценария. Видимо именно с его легкой руки героиню сказки Гофмана переименовал из Мари в Клару. Но по причине болезни Петипа балет достался Льву Иванову, премьера с довольно средним успехом и кислыми рецензиями прошла 6 (18)декабря 1892 года в Мариинском театре в один вечер с оперой «Иоланта», и шел этот балет там до середины 20-х годов XX века. Кстати 25 октября (7 ноября) 1917 года, то есть в самый день захвата Зимнего дворца матросами и рабочими в Мариинке давали именно этот спектакль.

«Щелкунчик» задуман был как спектакль детский: рассчитан на детей, и танцевали в нем по преимуществу дети. Исполнительнице роли Клары Станиславе Белинской было 12 лет! А Щелкунчику, прославившемуся в будущем танцовщику Сергею Легату (первый педагог Вацлава Нижинского) — 17. Самой зрелищной в первом акте была, конечно, сцена боя, когда подмостки Мариинского театра заполнялись толпой пряничных и оловянных солдатиков и огромным мышиным войском. Для такой масштабной сцены привлекались не только будущие балетные артисты, но и воспитанники школы лейб-гвардии Финляндского полка.

Крыса-Красная шапочка травит крысу-Волка

Но каких только редакций «Щелкунчика» нет на свете! Ни один из классических балетов не вызвал столько прочтений, начиная с Федора Лопухова, в 1929 году представившего суперавангардного «Щелкунчика» в духе мейерхольдовской биомеханики. И часто постановщики меняли замысел оригинала, место событий и безжалостно вырезали персонажей, в том числе и крыс. Так в «Щелкунчике» Бежара нет ни Клары (Мари), ни Щелкунчика и никаких мышей. Как их нет в других редакциях (например у Боурна и Мёрфи). Не до крыс и гению современной хореографии Джону Ноймайеру: у того все про балет. А вот в «Щелкунчике» Джорджа Баланчина мышей полным-полно: хореограф в нем вспоминал об учебе в театральном училище, где вместе с другии воспитанниками выходил в роли мыша.

Известны и «продолжения» «Щелкунчика». И в них тоже полно крыс. Так в Мариинском театре, помимо версии «Щелкунчика», оформленной известным художником Михаилом Шемякиным, в шемякинских декорациях шел и другой балет — «Волшебный Орех», рассказывающий гофманскую историю, в балет Чайковского не вошедшую: о матери Мышиного короля Мышильде, принцессе Пирлипат и об орехе Кракатук. При этом мыши в балетах бывают самые разные: с хвостами и без, к тому же и самых причудливых расцветок (в версии Алексея Мирошниченко они не серенькие, а кислотного цвета). Мышиный же король может иметь как одну, так и сразу несколько голов. Ведь в сказке Гофмана их целых семь! «Из-под пола с отвратительным шипением вылезли семь мышиных голов в сверкающих коронах»…

Хореограф Раду Поклитару показывает крысиное царство в стиле садо-мазо: с кожей, клетками-мышеловками и плетками. Даже снежинки у Поклитару – вышедшие в пачках, порхающие и кружащиеся в классических балетных па — жирные крысы…А сон Мари? В нем все гости у Штальбаумов, в том числе и близкие родственники посредством чародейства Дроссельмеера превращаются в крыс.

Балет во многом представляет собой пародию на нетленную классику: так, чтобы развлечь молодых на свадьбе в «испанском» танце выходит знойная крыса-Кармен, после пляски, которой с крысой-Тореадором её закалывает крыса-Хозе. В «восточном» танцует крыса-падишах со своим крысином гаремом,и озлобленные от ревности крысихи душат своего повелителя. В «китайском» танце борются толстенные крысы-сумоисты. Крыса-Зигфрид кончает крысу-Лебедя из арбалета в «русском», в то время как во «французском» крыса-Красная шапочка травит крысу-Волка пирожками из своей корзиночки.

«Голова болтается и мешает»

Финляндия — родина Санта–Клауса, точнее Рождественского Деда, которого там называют Йоулупукки. А значит и крысы там, вместе с принцем, самые что ни на есть рождественские. Вот этому рождественскому финскому принцу, победителю Мышиного короля из Хельсинки, я и решил позвонить.

Принцем премьер Финского балета Сергей Попов стал не сразу. Работая в Мариинке, он танцевал и мышей в постановке Василия Вайнонена. Теперь в Хельсинки танцует в «Щелкунчике» партию Принца (версия Уэйна Иглинга, идет в Английском национальном балете, в Амстердаме, в Варшаве).

— Сергей, ты ведь участвовал и в балете Шемякина… Можешь что-то рассказать о шемякинских костюмах?

— В балете «Волшебный орех», который тоже поставил Шемякин, были очень громоздкие костюмы. Как и всегда у мышей — маски. Но хореография тут занимала, скорее, второстепенную роль — задача была обыграть костюмы, показать, что они — шемякинские.

— Но там получалась в итоге такая фантасмагория в гофманском духе…

— Да. Там торт огромный был, мышки маленькие, восточная змея, которая под музыку восточного танца вылезала то ли из коробки, то ли из бочонка. У женщины-змеи в зеленом комбинезоне был долгий танец. Мы еще не могли дождаться, когда же он наконец закончится.

— Но сейчас ты танцуешь партию принца…

— Партия принца у Иглинга сильно сокращена, потому что самого Щелкунчика танцует другой артист. То есть происходит подмена, и потом Щелкунчик превращается в принца. В балете два дуэта: один перед снежинками, такое «снежное па-де-де», и в конце второго акта принц выходит и танцует уже классическое па-де-де. Когда я танцевал в Мариинке Принца, я с мышами особо не пересекался и не дрался. Единственно, принц в балете Вайнонена разгонял летучих мышей во втором акте. А в первом с обычными сражался маленький Щелкунчик.

Сергей Попов и Petia Illieva в балете «Щелкунчик» хореографа Уэйна Иглинга. Фото Sakari Viika.

— То есть как подружиться с крысой или победить ее и сделать год счастливым, ты не знаешь?

— Нет, ведь принц не соприкасается с мышами. Но когда я ещё в школе учился, и в Мариинском на первых порах танцевал мышей. Помню, как мышиного короля мы таскали на плечах в первом акте. И когда детьми мышами ползали, вечно что-нибудь случалось. Дело в том, что в вайноненовском спектакле неудобные костюмы,— не маски, а голову такую на себя надеваешь, а она болтается и мешает. И в ней такие маленькие щелочки, из которых ничего не видно, а там надо ползать по полу, в быстром темпе и кругами, и прыгать нужно. Так что и хвосты цеплялись, и головы мышиные слетали во время спектакля.

— В Финляндии какие у вас сейчас мыши?

— Костюмы тут, точно, более удобные и современные, головы более мягкие чем в Мариинке. Но мыши тоже, как и везде, в масках.

Не получив ответа о рождественском счастье в год крысы в Финляндии, отправляюсь в наш родной Большой театр. Может там его найду? В отличии от Финского балета, «Щелкунчики» в Большом идут каждый день, а иногда в день по два раза.

«Когти только на руках — фиолетовые, скрюченные»

В Большом горячие денечки! Махар Вазиев, руководитель балета Большого, подготовил много интересных вводов. Одним из тех, кто впервые выйдет на Историческую сцену в партии принца, стал недавний выпускник Пермского хореографического училища Данила Хамзин:

— Принца в «Щелкунчике», я танцую первый раз. Конечно, это очень круто! Но потом мой педагог Марк Перетокин, попросил, чтобы мой дебют перенесли на более позднее время — для такой партии минимум месяц нужен. И вот репетирую.

«Щелкунчик» в Большом театре идет с 1966 года в редакции Григоровича, и Принц тут, в отличии от других редакций, самолично сражается и побеждает Мышиного короля. Обращаюсь напрямую к самому Мышиному королю — партию (и тоже впервые!) танцует неординарный артист Михаил Крючков.

— Миша, ты мышей боялся в детстве?

— Нет, я их разводил. У меня были декоративные мышки. Они жили в террариуме и там плодились. Я покупал специальные игрушки, делал пещеры для них, норы, чтобы им было удобно жить. Это вообще была моя любовь, я обожал своих мышей!

— Раз ты с мышами ты по жизни дружишь, то скажи, как Мышиный король, как самая главная мышь и такой крысиный Дед-мороз — что нужно сделать в новом году, чтобы крыса принесла удачу?

— Что сделать не знаю, но, когда мне дали эту партию, мне одна знакомая сказала: «Воспринимайте эту партию как знак свыше. Ведь в год крысы вам её дают, и в следующем году у вас будет много успеха».

фото: Павел Ященков

Артист балета Большого театра Михаил Крючков готовится выступить в партии мышиного короля.

Мышей или крыс я ведь раньше никогда не танцевал. Танцевал солдатиков, вальс — в шестерке солистов, а также кукол.

В этом году мне никто ничего не говорил, не предупреждал про мышиного короля, и я не нашел себя в афише. А Влад Лантратов, который рядом стоял, говорит: «Да вот же – у тебя мышиный король есть!» Я поднимаю глаза, и действительно вижу свою фамилию. Это очень сложная партия, на ней все, что называется, «умирают» физически. Очень тяжело! Но у Григоровича вообще все балеты такие.

— Что там конкретно сложного?

— Визуально кажется, что там совершенно нечего делать, а начинаешь танцевать и понимаешь, насколько это тяжело. В конце буду делать такой специальный бедуинский прыжок, хотя обычно исполнители делают стандартный, перекидной. А бедуинский – это вниз головой, как Абдерахман в «Раймонде», я его тоже танцую.

— Это ты сам решил себе жизнь усложнить?

— Нет, уже Паша Дмитриченко это делал до меня. Хочется добавить сложности, чтоб партия лучше прозвучала и была именно «сделана» мной индивидуально.

— А королевская мантия, которая есть у крысиного короля не будет мешать при таком прыжке вниз головой?

— Там проблема не в плаще, а в маске. Репетируем мы в репетиционной маске, которая мне велика, а танцевать буду уже в другой, которая на мне идеально сидит. Там каркас внутри металлический, как из проволок, поролон, а сверху — ткань. На неё пришиты уже красные крысиные глазки, усы, нос. Но и в этой «репетиционной» маске у меня получается прыжок. Единственное – страшно немного, потому что ты начинаешь его делать, а маска съезжает и ты прыгаешь на ощущениях.

— Раз маска закрывает лицо, ты не гримируешься?

— Лицо все равно гримируют — его делают серым, ведь маска на голове, а лицо немножко видно через сетку. Но глаза не подводят.

— А костюм короля крыс удобный?

— У короля костюм достаточно классический. Потому что у других крыс шерстяное трико с лапами, на которых когти, а у крысиного короля просто классическое трико серого цвета и балетки. То есть никаких лап с когтями, как у кордебалета нет, потому что ему надо танцевать.

Когти у короля только на руках, длинные скрюченные, чтоб детей пугать. На голове — корона, фиолетовая мантия с горностаевым воротником. Но я не думаю, что это будет мешать. Хотя, ребята говорят, что плащ, в принципе может запутаться, и на маску (то есть крысиную морду), и на корону намотаться. Но я надеюсь, что все будет хорошо…Еще у короля на груди звезда, похожая на рождественскую.

— Крысиный хвост тебе мешать не будет?

— А хвоста нет, там ведь плащ, и у обычных мышей в Большом театре его тоже нет. И у них тоже плащики…

— А вот в других театрах, например, в театре Станиславского все крысы обязательно с хвостами…

— Хвосты у крыс в Большом театре есть в «Спящей красавице»… Это её свита, которая везет злую фею Карабос. Когда я начал репетировать Короля крыс, искренне полюбил эту партию. Я даже рад, что так получилось. Ведь я слышал много раз, что когда зрители обсуждают спектакль, они только и говорят про мышиного короля. Никто почему то, не говорит про Щелкунчика и Принца… А некоторые считают, что самое скучное в балете это па-де-де. Хотя я обожаю этот балет и сам считаю па-де-де самым красивым моментом спектакля. Но людям небалетным почему-то нравится именно Крысиный король.

— «Щелкунчик» — спектакль прежде-всего детский, и мышиные сцены дети обожают. Вот и скажи для детей, как Мышиный король: что нужно сделать, чтобы год Крысы прошел хорошо?

— Нужно верить в чудеса!

— Сам веришь?

— Конечно! И все сбывается!

— Ну не все, наверное?

— Нет, сбывается все, но просто иногда не совсем так, как ты хотел. Вот я мечтал о принце в «Щелкунчике», а получил Мышиного короля.



Source link

Рубрики
Больше Культура

Артист балета Полунин рассказал, как пострадал за татуировку Путина


30-летний российский артист балета украинского происхождения, уже в 19 лет являвшийся премьером Королевского балета в Лондоне Сергей Полунин рассказал в студии программы «Судьба человека» на канале «Россия-1» о том, как пострадал из-за татуировки с портретом Владимира Путина.

Вообще татуировки артист начал делать давно. На его теле по данным СМИ около 20 татуировок — изображение церкви, оскалившийся волк, Хит Леджер в роли Джокера и т.д.

В 2018 году в разгар предвыборной борьбы в России Сергей Полунин сделал новую татуировку — набил на груди портрет Владимира Путина. Теперь он демонстрирует левую руку, на которой красуется украинский трезубец, и грудь с портретом российского президента.

Татуировки Сергея Полунина.

По словам Сергея Полунина, тогда вокруг личности Владимира Путина было много негатива на Западе, все было очень остро. Артист находился в это время в Лондоне и решил сделать эту татуировку, чтобы поддержать Путина.

В студии также прозвучал фрагмент интервью с материю Полунина. Она заявила, что в тот момент из-за этого поступка сына у нее был шок. Она не понимала, как он теперь пересечет границу.

Напомним, что 12 августа 2019 года Полунин был назначен исполняющим обязанности ректора Академии хореографии Севастополя.

Читайте также: Цискаридзе два раза вызывали «скорую» из-за приступа



Source link

Рубрики
Больше Культура

Артист Игорь Верник прокомментировал свою «госпитализацию»



Информация о плохом состоянии здоровья популярного артиста театра и кино Игоря Верника оказалась ложной. Сам актёр так прокомментировал «МК» то, что о нём написано в интернете.

— Полная чушь. В ответ на информацию Telegram-канала, что я госпитализирован, у меня есть информация, что госпитализирован сам Telegram-канал. Вчера я играл в своем театре (МХТ им. Чехова) спектакль «№13D», прекрасно себя чувствую. Ни в какую больницу я не обращался. Сейчас я дома, позже поеду по делам, а завтра у меня съёмки.

Как нам рассказал популярный артист, он только что закончил съёмки в картине Алексея Учителя «47», посвященной Виктору Цою, а в настоящий момент в работе у него три кинопроекта.

Читайте также: В Москве в тяжелом состоянии госпитализирован актер Юрий Соломин



Source link

Рубрики
Больше Культура

Умер заслуженный артист Анатолий Бородин



Заслуженный артист РФ Анатолий Бородин скончался в возрасте 80 лет, сообщает ГТРК «Кубань».

Дата и место панихиды пока не назначены.

С 1975 года Бородин являлся солистом Краснодарского театра оперетты. За годы карьеры актер сыграл более 200 ролей в театре и кино. Широкому зрителю известен по работе в фильмах «Из жизни Федора Кузькина» и «Убийство на Ждановской».



Source link

Рубрики
Больше Культура

Артист Николай Мартон рассказал о любимых ролях и режиссерах — Российская газета



Народный артист России, корифей Александринского театра Николай Мартон отметил в сентябре 85-летие.

В день рождения в Царском фойе театра прошел творческий вечер актера. А через несколько дней — премьера моноспектакля «Вертинский. Русский Пьеро» (режиссер Антон Оконешников).

К юбилею пришло известие: вам, народному артисту России, присвоили звание заслуженного артиста Республики Крым. Неожиданно? Награда нашла героя…

Николай Мартон: …через 56 лет. Я поражен и очень рад. В Крымском русском драматическом театре имени Горького я работал четыре сезона, сыграл 22 роли и какие — Ромео, Дон Жуан, Лессинг, Акоста… Туда я пришел молодым артистом, после окончания Киевского театрального института имени Карпенко-Карого в 1958 году. Я чувствовал эту землю — Крым, она снилась мне здесь, в Ленинграде, я несколько раз бывал там на отдыхе, на море. Так что для меня это родной край. И вдруг такой подарок к юбилею!

И еще «Знак за заслуги перед Санкт-Петербургом».

Николай Мартон: Да, высшая награда, которую может получить петербуржец.

Петербург стал родным, любимым?

Николай Мартон: Конечно! У меня был выбор. В 1962 году Симферопольский театр был на гастролях в Ленинграде, и мне тогда поступило три предложения: из Киева (а это родина), в театр имени Леси Украинки, из Москву, в Малый театр пригласил Михаил Иванович Царев, а Леонид Сергеевич Вивьен — в Пушкинский театр. Не только я волновался — что выбрать, но и вся наша маленькая, замечательная труппа — 33 человека — в Симферополе.

И почему выбрали Ленинград?

Николай Мартон: В 1957 году я был здесь, в институте имени Лесгафта, на Всесоюзных соревнованиях учреждений культуры по фехтованию — от нашего Киевского института. Целую неделю. Много посмотрел — не только архитектурные шедевры, но и театры — БДТ, Пушкинский, спектакли. По кино я знал артистов Черкасова, Симонова, Честнокова, Бруно Фрейндлих, Юрия Толубеева. Я читал об Александринском театре, знал его историю и считал, что учиться мне надо у этих артистов. И вот я, деревенский парень, увидел Петербург, такое чудо! Конечно, это потрясение.

Я недолго работал с Вивьеном, всего четыре сезона. Начали уходить из жизни и наши гениальные артисты. Позже, когда театром руководил Игорь Олегович Горбачев, к нам на постановку пришел Владимир Воробьев, удивительно театральный режиссер, современный, ученик Товстоногова, его спектакли в Музкомедии были очень интересными. Для меня это была знаковая встреча. Он поставил «Хозяйку гостиницы» Гольдони, мне предложил роль графа, характерную, смешную. На сцене у нас в то время были рабочие, заводы, станки — и вдруг итальянская комедия, красота необыкновенная, замечательные молодые артисты: Николай Буров, Наташа Панина, Игорь Волков, Мартон… Спектакль шел 10 лет, как и предрекал Воробьев. Зрители принимали нас восторженно, но мы решили, что уже не так молоды, пора закрывать спектакль.

Затем Воробьев ставит пьесу Пиранделло «Колпак с бубенчиками». Читаю. Совершенно потрясен трагической ролью Чампы, пожилого человека, которому изменяет молодая жена. А это маленький городок, и надо пережить этот ужас — рога… И этот спектакль шел ровно 10 лет. Чампа — одна из моих любимых ролей. Еще был Антуан де Сент-Экзюпери.

А далее — работа с Могучим, Фокиным, Терзопулосом.

Николай Мартон: Мои любимые режиссеры, после Воробьева. Главные люди в моей жизни, профессии. Воробьев — театр-фейерверк, красота, романтика. Фокин — очень глубинный режиссер, у него другая система, он выстраивает актеру роль.

Андрей Могучий — абсолютно другой, для него очень важно пространство и внутренняя жизнь актера, он достает из нас давно забытое, воспоминания из детства, юности… Я сделал с ним несколько ролей: Аблеухов в «Петербурге» Белого, Иван Иванович в «Иванах» по произведениям Гоголя, Семен в «Садоводах». Мне в 74 года предлагают сыграть 20-летнего! (в «Садоводах» по пьесе Исаева).

Потом появляется Терзопулос, режиссер с мировым именем. Совсем другая система, не как наша российская, древнегреческая школа. Главное слово у него — «энергия». Если есть в артисте энергия, если сумеет он отправить ее зрителям, тогда будет все. Иначе твои мысли, чувства в зал не дойдут… Прежде чем начать репетицию (уж не говоря о спектакле!), мы делаем специальные физические, дыхательные упражнения — чтобы улетело все, что наслоила на тебя жизнь, ушли домашние дела, заботы, проблемы, отношения с другими людьми… Чтобы ты был готов к роли, которую будешь сейчас исполнять.

Я работал с Терзопулосом дважды — «Конец игры» Беккета на Новой сцене театра и «Мамаша Кураж и ее дети» (Рассказчик) — на Основной. Тут интересная история. Прихожу на кастинг. Спрашиваю Теодороса: «Что играть буду?» — «Николай, пока роли нет, но будет, что-нибудь найдем…» И придумывает. Берет ремарки Брехта — и делаем интересную, по-моему, роль: ведущий не только рассказывает историю, но и живет в ней, радуется тому, что происходит, оценивает людей, сопереживает им… Я с удовольствием играю.

Однажды вы участвовали в антрепризе — «Дон Педро», вместе с Михаилом Светиным. Несколько лет играли спектакль, трагикомедию, всегда на аншлагах, овациях.

Николай Мартон: Пожалуй, это был единственный случай «на стороне». Хотя предложений было несколько: замечательные роли предлагали мне в «Приюте комедианта», зовут в «Русскую антрепризу» имени Андрея Миронова. Но много работы в своем театре — никак не вырваться.

Со Светиным работал с большим удовольствием. Он был уникальным артистом, знаменитым. Вот что такое — Бог дал талант, внешность, и была потрясающая слава.Мы любопытно работали в том спектакле: полярно разные актеры, с разными школами, характерами, разная внешность. Это было очень интересно для меня. И для публики. Лет пять мы вместе играли, ездили на гастроли в Белоруссию, Узбекистан, Астрахань…

Вы нередко снимались. «Интервенция», «Женя, Женечка и «катюша», «Звезда пленительного счастья», «Маленькие трагедии», «Рафферти» — но везде маленькие роли. Почему у вас не сложилось с кино, как считаете? Ведь в нашем городе есть «Ленфильм», это большие возможности…

Николай Мартон: Поразительное дело. Снялся в 45 фильмах, но славы мне это не принесло. Такое, наверное, бывает. Почему — не знаю. Может, не подходили внешние данные. К моему юбилею показали «Два брата», телевизионный фильм по драме Лермонтова, снял его в 1965 году режиссер Иван Ермаков, создававший наше Ленинградское телевидение. По-моему, у меня там хорошая роль. Не так давно у Алексея Германа-младшего сыграл в «Довлатове» эпизод.

Так сложилось: если нужно сыграть маркиза, барона или современного интеллигента — зовут Мартона. Даже фильм, который про вас сняли, назвали «Аристократ духа».

Николай Мартон: И с царями имел дело! Был Николай Первый в спектакле о Пушкине «Болдинская осень» в Александринском театре и в телевизионном фильме «Кюхля» Александра Белинского. Французский император Наполеон — в спектакле «Фельдмаршал Кутузов». Это одна из моих любимых ролей и, как говорили критики, одна из лучших.

Вы 61 год в профессии. У вас немало спектаклей, но все-таки к юбилею решили выпустить премьеру?

Николай Мартон: Это не к юбилею, Александр Николаевич Вертинский — давняя задумка. Меня задела его поэзия. Я понял, что это хороший русский поэт — не просто бард, эстрадный певец. Великий русский артист, безусловно.

Факты

За 57 лет работы в Александринском театре Николай Мартон сыграл более 90 ролей.

Награжден Высшей театральной премией Санкт-Петербурга «Золотой Софит» — «За творческое долголетие и уникальный вклад в театральную культуру Санкт-Петербурга» (2009), премией «Золотая маска» за лучшую роль второго плана в спектакле «Маскарад. Воспоминания будущего» (2016) и в номинации «За выдающийся вклад в развитие театрального искусства» (2017).

В 2019 году стал лауреатом Премии Правительства Санкт-Петербурга в номинации «За выдающийся вклад в развитие петербургской культуры».

Цитата

«Я обычно не прошу режиссеров: «Дайте мне роль». У меня всегда есть работа, всегда играю. Если нет — найду себе дело».



Source link

Рубрики
Больше Культура

Погудин: Артист всегда в обычном мире в гостях, зато на сцене



Хорошему артисту всегда всего мало: и нынешнего успеха, и любимых песен. Ему постоянно хочется сделать еще что-то новое, интересное и не равнодушное, то, чем он прежде пока не занимался. Но именно это и отличает талантливого, творческого человека от ремесленника, которому сцена нужна в первую очередь для заработка и славы… В четверг, 19 сентября, Олег Погудин будет открывать свой концертный сезон программой «Трагический тенор эпохи». Сложно сказать, чего в ней теперь больше: замечательных романсов, театрального нерва и стилистики моно-спектакля или литературных, увлекательных рассказов-историй о знаменитых и любимых нами исполнителях ХХ века.

Накануне, вернувшись с очередных зарубежных гастролей, народный артист России ответил на вопросы обозревателя «РГ».

Отчего вы решили назвать программу, в которой так много прекрасных вальсов и романсов ХХ века, мрачновато? Или именно на долю теноров по неминуемому року судьбы всегда выпадало особенно много несчастий и неудач, о которых многие из нас даже не знали?

Олег Погудин: Названием программы «Трагический тенор эпохи» стали слова Анны Ахматовой об Александре Блоке. Он, как известно, певцом не был. Но музыку любил — ходил в оперу и на концерты, ездил слушать цыганский хор, собирал романсы и записывал их в отдельную тетрадку, хотя сам не пел. Однако Ахматова назвала «трагическим тенором эпохи» именно Александра Блока.

Не «голосом» — это слово уместилось бы в размер строки — а именно тенором. То есть голосом певческим, голосом, передающим музыку. А музыка всю жизнь была для Ахматовой и стимулом к творчеству, и убежищем, и утешением… Но в нашем спектакле три главных героя: Александр Вертинский, Петр Лещенко и Юрий Морфесси. Они были очень разные, эти бродяги и артисты. Их отношения между собой были весьма негладкими, да и жизнь тоже была негладкой. Но общим было одно — их дар.

Тот дар, который ведет, а иногда и тащит артиста по жизни, который не переложишь на другие плечи, не передашь. Тот дар, из-за которого, артист всегда в обычном мире в гостях, зато на сцене — дома. Тот дар, благодаря которому, каждый из них мог сказать: «Гул затих. Я вышел на подмостки…» Так что «Трагический тенор эпохи» это концерт-спектакль о судьбе и месте артиста в мире. А еще в этой программе мы говорим о людях, каждый из которых мог бы сказать:

«Век мой, зверь мой, кто сумеет

Заглянуть в твои зрачки

И своею кровью склеит

Двух столетий позвонки».

То есть она о людях, которые жили в сложную и трагическую эпоху, которая только недавно стала историей.

По вокальному диапазону вы тоже — тенор. А можете ли считать себя счастливым человеком и есть ли у вас правила жизни, которым стараетесь следовать, чтобы слово «трагический» к вам самому никогда не относилось?

Олег Погудин: Искусство — это не набор советов и не психологический тренинг. Это репрезентация опыта личного переживания и осмысления жизни. Катарсическая функция у искусства несомненно есть, но соединять ее с дидактической и учить — бесполезное занятие. Восприятие любого явления в искусстве субъективно и индивидуально, а школа — явление массовое.

А насчет того, чтобы научить самого себя… Бродский писал, что каждое честно написанное стихотворение изменяет автора. Так что, да — творческая деятельность учит, как собственно и любой честный осмысленный труд.

Для этой программы вам пришлось много сидеть в библиотеках или вы заказали сценарий специалисту и стремились прежде всего реализовать себя не только как певец, но снова и как актер? Благо учились этой профессии в Ленинградском институте кинематографии, театра и музыки.

Олег Погудин: Первую программу, посвященную Александру Вертинскому, я сделал 30 лет назад. Так что я позволю себе нескромное заявление — я давно в теме. Если бы у моей программы были другие автор сценария и режиссер, они бы были указаны. Я не пою под фонограмму и не использую чужой труд без упоминания автора. А в сочинительстве музыки дебютировал 25 лет назад, исполнением собственного романса «Из петербургской гавани»…

Я не пою под фонограмму и не использую чужой труд без упоминания автора

Кстати, о педагогике. Скоро день Учителя. Помните ли вы своих первых еще школьных педагогов, и если бы вам предложили провести в этот день урок, то какую тему вы выбрали бы первой?

Олег Погудин: Первых учителей я, конечно, помню, и отношусь к ним с огромной благодарностью. А вот становиться педагогом на день мне не надо, я восемь лет преподавал в родном вузе, выпустил два курса.

На сцене вы всегда одеты очень торжественно и с большим уважением к зрителям. Фрак или смокинг, галстук или бабочка — так, как принято в академической музыке. А есть ли программа или ситуация, при которой вы решите, что уместнее выйти на сцену в джинсах и майке? И как влияет, по вашему мнению, одежда на самого артиста и на аудиторию, которая находится в зале?

Олег Погудин: Вы задали очень интересный вопрос. Еще в восемнадцатом веке, когда начал формироваться привычный нам театр, актеров учили, что их мимика и пластика должны идти «от пиесы», то есть от текста. И костюм тоже шился «от пиесы» — злодею один, герою-любовнику другой. Все мои концертные программы построены по театральным законам — там нет конферанса, там театральный свет. И мой костюм работает на образ моего лирического героя.

А романс — это тот жанр, в котором очень важен текст, так же как и в песнях Вертинского или Окуджавы. Я выхожу на сцену как поэт и далеко не всегда во фраке или смокинге, часто просто в обычном костюме и даже в рубашке без галстука, как в программах «Любовь останется» или «Песни Булата Окуджавы». Сам по себе костюм — сложная система, он взаимодействует с лирическим героем, с залом, с неким визуальным образом программы. И тут опять же важно соблюсти законы жанра. Точно так же как в опере в до-мажоре не умирают, на камерной сцене не поют романсов Чайковского в красной рубашке. И романс, и камерная вокальная лирика в целом выхода на сцену в джинсах и майке не предполагает. Но вне работы я естественно ношу и джинсы, и футболки.

Вы редкий артист, который избегает тусовок и даже тех сборных концертов, благодаря которым потом покажут на телевизору на всю страну… А есть ли программы от участия в которых вы никогда не откажетесь?

Олег Погудин: Дмитрий Дмитриевич Шостакович сказал когда-то, что он работает для искусства, а не для газеты «Правда». Я работаю не для телевизора, а для своих зрителей. Поэтому стараюсь не отказываться от концертов ко Дню Победы, ко дню города в Санкт- Петербурге.

А про телевидение — в первую очередь, мы участвуем по мере сил в культурном строительстве в нашем Отечестве, а потом уже в выступлениях на разных каналах. Да и вообще лучший промоушн — мнение зрителей. А лучший способ достижения успеха — профессионализм и самоотдача.

Телевидению и радио приходится слышать немало упреков от артистов за то, что поддерживают модные жанры и светские мероприятия больше, чем качественную музыку, в частности классику. Вы тоже так считаете?

Олег Погудин: Я часто читаю упреки в адрес СМИ, но не всегда они кажутся мне обоснованными. А как же люди жили до радио и телевидения? И сохранили нам огромное, галактических размеров классическое наследие. А ведь Гомера, как говорил Мандельштам, не печатали. Радио не было, а Вергилий выжил. И Торквато Тассо.

Классика есть, она доступна, книги всегда в свободной продаже, в электронном виде. И на электронный архив РГБ может подписаться любой, есть концерты, выставки, бесплатные (подчеркиваю — бесплатные) лекции. Есть передачи на канале «Культура», трансляции опер, передачи по радио, я сам, например, недавно послушал на «Радио Москвы» программу о романсах Дмитрия Шостаковича, о музыке в жизни Булгакова…

Так что каждый выбирает для себя, и телевидение и радио тут ни при чем.

*Это расширенная версия текста, опубликованного в номере «РГ»



Source link

Рубрики
Больше Культура

Умер народный артист Юрий Колычев



Об этом сообщил РЕН, позднее информацию подтвердили в театре «Ленком», где актер служил с 1957 года.

По информации телеканала, актера обнаружили в его квартире. Другие подробности не приводятся.

После окончания ВТУ имени Щепкина Колычев поступил в труппу Малого театра, где проработал шесть лет. Затем перешел в «Ленком» и сразу стал одним из ведущих актеров. Колычев был задействован в спектаклях Анатолия Эфроса, например, «В день свадьбы» и «104 страницы про любовь»; Марка Захарова («Тиль», «Шут Балакирев», «Вишневый сад»). Всего за годы работы на сцене сыграл более чем в полусотне спектаклей. 

Снимался в кино. Награжден орденом «За заслуги перед Отечеством» IV степени, орденом Почета и другими наградами.



Source link

Рубрики
Больше Культура

Умер народный артист Виталий Логвиновский



Народный артист России, актер театра и кино Виталий Логвиновский умер в возрасте 78 лет, сообщается на сайте Калужского драматического театра.

Причина смерти актера пока не называется.

Отмечается, что Логвиновский был актером широкого диапазона. Ему удавались роли Наполеона, Ивана Грозного и героев русских классических комедий. При этом актер выступал и на спекталях по произведениям зарубежных драматургов. «Так, одной из самых удачных ролей в карьере актера стала роль Скапена в комедии Мольера» — отмечается в некрологе.

Логвиновский родился 17 марта 1941 года. В 1965 году закончил ГИТИС, а с 1974 года стал работать в Калужском драмтеатре. Кроме театра он сыграл и в кино. Так, ему досталась роль одного из персонажей в «Ворошиловском стрелке».



Source link